Hilaku, muestra de arte textil de Zaragoza, arranca su segunda edición en el Centro de Artesanía de Aragón - La Voz de las Costureras
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Hilaku, muestra de arte textil de Zaragoza, arranca su segunda edición en el Centro de Artesanía de Aragón

Utopías y distopías en torno cuerpo humano centran Hilaku 2018, segunda muestra de arte textil en Zaragoza

Fotos de la galería e interiores: Noemí Martínez Pérez.

Los condicionantes culturales en torno a la imagen son el eje de «Hilaku, Cuerpos en Sujeción: utopías y distopías textiles», la segunda muestra de arte textil que el Colectivo Mottainai organiza en Zaragoza. La exposición acoge a once artistas individuales y dos colectivos procedentes de España, Grecia y Colombia, y permanecerá en el Centro de Artesanía de Aragón hasta el día 30 de noviembre de 2018.

La exposición está impulsada y organizada por el Colectivo Mottainai de Zaragoza en colaboración con el Centro de Artesanía de Aragón y el Gobierno de Aragón. «Han presentado un estupendo trabajo, me gusta el enfoque que le han dado», valora Susana Martín, presidenta de la Asociación Profesional de Artesanos de Aragón, en cuya sede se desarrolla la muestra. Una colección de trabajos realizados en base al textil, un soporte menos frecuente en arte. «Estamos más acostumbrados a ver el arte en lienzo, en piedra», apunta Martín, a pesar de que el tejido sea «algo tan unido a todos», comenta.

Parte del elenco de artistas de Hilaku. Foto: Noemí Martínez.

Hilaku, muestra surgida en 2017, se centra en esta edición en el cuerpo como hilo conductor. «Carne, sangre, piel, huesos, pelo, uñas…trama y urdimbre de los cuerpos. Cuerpos ensamblados de forma perfecta y amarrados, sometidos, ligados, dominados…¿a qué, a quién, en dónde… a un cuándo? Cuerpos que buscan liberarse y crean utopías. Cuerpos que se enlazan aún más a su retórica y crean distopias… Cuerpos en sujeción: utopías y distopías de la fragilidad del ser», explica Mercy Rojas Arias, miembro del colectivo organizador.

Así, tal y como apuntan desde Mottainai, la exposición «se plantea conceptualmente desde la reflexión en torno al cuerpo: los diferentes discursos y violencias que lo atraviesan, la ideologización y mercantilización, la deconstrucción y recreación individual y social al que están sometidos nuestros cuerpos en el día a día».

«El ADN del arte textil está en la tribu que se entreteje, al hilo de ello Hilaku es algo más que una exposición colectiva. Es cultura disidente, explosión e implosión de la creatividad, nido de araña y fugas vitales. Tiene reminiscencia de las culturas originarias andinas, ensoñaciones al mundo simbólico japonés, y vive en la realidad de una Europa que no deja de moverse y recrearse en su diversidad. Hilaku es vida que se borda, vida entretejida, puntadas para subvertirnos y divertirnos en comunidad», explican.

ARTISTAS Y OBRAS (ficha técnica facilitada por el Colectivo Mottainai de Zaragoza)

Segunda edición de Hilaku. Inauguración en el Centro de Artesanía de Aragón el día 8 de noviembre de 2018. Está hasta el día 30 de noviembre de 2018.
Andresa, una puerta abierta, de Ana Teresa Baile Medrano, junto a su autora. Foto: Noemí Martínez.

Ana Teresa Baile Medrano

Nacida en Zaragoza en el invierno del 66. Formada con el pintor cubano Nelson Villalobo y la artista Lina Vila en el área de plástica. Estudiante de fotografía en la galería Spectrum Sotos. Actualmente centrada en el arte textil en la técnica de bolillos de la mano de María Jesús Ruiz. Creadora de imágenes en constante transformación, realiza viajes de estudios por EEUU y Australia entrando en contacto con la cultura aborigen. Expuso individualmente en el año 92 y sigue participando en numerosas muestras y certámenes.

OBRA: Andresa, una puerta abierta

El espejo no refleja la imagen de uno mismo, sino que nos abre la puerta al conocimiento, como dice Oscar Wilde en su cuento “El pescador y su alma”. Andresa en el plano físico, muestra la parte vulnerable de todos nosotros, nuestras vergüenzas, miedos e inseguridades. El equilibrio emocional se refleja en la figura materna, apoyo que todos necesitamos para sentirnos queridos, así como alas de libertad para nuestra expansión y realización verdadera. Seguir el guía interior hace que se viva sin miedo. Nuestro lado salvaje queda reflejado por el minotauro encontrándose en un estado de ceguera y egocentrismo. La corona refuerza esa posición de poder y control en relación al mundo terrenal, suspendida a través del cordón de plata permite la intercomunicación entre las diferentes dimensiones del ser.El alma busca ser y expresarse. A través del tapiz infinito , queda visible el trazo de vivencia presente, pasada y futura.

Precio: 2.500 euros

Venus tierra, de
Venus tierra, de Anna Becka. Foto: Noemí Martínez.

Anna Becka

Logroño, 1948. Maestra de Educación Infantil, atraída por las artes plásticas y el mundo audiovisual acude a diversos cursos y talleres especializados de pintura, forja, grabado, video y fotografía. Estudia Historia del Arte y siente inclinación por los artistas más primitivistas y expresivos, en especial el Grupo Cobra.

OBRA: Venus tierra

En HOMENAJE A LA VENUS DE EILLENDORF nos guía hasta lo más atávico de la representación mágica. Un objeto-fetiche. El cuerpo de la mujer madura es la presentación de la materia textil, de la vida tejida, del cuerpo vivido. La autora persigue hacer visible el cuerpo femenino desde la arqueología más remota, donde el paso del tiempo va transformando volumen, materia y formas.

El juego de las múltiples variables, del Colectivo Cachitulxs.
El juego de las múltiples variables, del Colectivo Cachitulxs. Foto: Noemí Martínez

Colectivo Cachirulx

Colectivo familiar experimental que combina intereses entre el arte, la filosofía, las ciencias sociales, la salud y los oficios manuales; para construir saberes prácticos y comprensiones alquímicas sobre la vida. La intersección entre mundos, generaciones, géneros y experiencias producen asombros e incertidumbres, aprendiendo conjuntamente de lo que nos atraviesa, nos inquieta y nos apasiona. Experimentamos con materiales diversos para producir piezas expresivas: el papel, las telas, la pintura, las fibras, la palabra… y hoy nos convocamos a juntar manos para expresar lo que atraviesa nuestro cuerpo familiar, lo que rompe y se fuga, lo que emerge.

OBRA: El juego de las múltiples variables

Variaciones infinitas de la construcción de las corporalidades e identidades que se fugan de las brechas del binarismo genético convencional y que juegan sobre su andamiaje, subvirtiendo órdenes morales, políticos, culturales; abriendo una otredad en proceso, que se está haciendo y está por nombrarse. El juego permite circular por las identidades, fluyendo en ellas sin la pretensión de etiquetas fijas y absolutas.

Precio: 300 euros

Déjanos ver tu cara, Medusa, de Evgenia Tzortzi
Déjanos ver tu cara, Medusa, de Evgenia Tzortzi. Foto: Noemí Martínez.

Evgenia Tzortzi

Técnico Superior de Joyería Artística, Escuela de Arte de Zaragoza, 2012- 2016.

Licenciatura en Filología Inglesa de la Universidad Nacional y Kapodistríaca de Atenas,

2006 – 2011.

Exposiciones :

“Fenómeno Imparable”,  Galería Finestra Estudio, marzo 2017

“Hilaku : Diálogos con el Arte Textil”, Centro Joaquín Roncal, abril 2017

“Plastic”, Centro de Arte y exposiciones de Ejea de los Caballeros, junio – octubre 2017

“Hilaku : Diálogos con el Arte Textil”, Centro de Artesanos de Aragón, noviembre 2017

“Un paseo por el bosque”, exposición individual, Laboratorio de escultura creativa “El Arquetipo”, diciembre 2017 – enero 2018

Enlaces

Facebook: https://www.facebook.com/etecreations/
Instagram: https://www.instagram.com/etecreations/

OBRA: Déjanos ver tu cara, Medusa

Déjanos ver tu cara, Medusa. La Medusa es un ser monstruoso, un ser temido, un ser mortal. Mirada feroz, desafiante, aspecto grotesco, amenazante.Toda su verdad expuesta en un rostro que no tiene nada que ocultar. Sacerdotisa en el templo de Atenea, es violada por Poseidón, una acción profana que conduce a la ira de la diosa, al castigo de la víctima. La diosa convierte su larga cabellera en serpientes. La Medusa es todas las víctimas castigadas de serlo. Yo le tejo, pelo por pelo, su hermosa cabellera de nuevo. Le tejo día y noche, cuando le cuento mis penas y me cuenta mis verdades. Le tejo, le cuento, le coso. Una cadeneta, y otra, y otra, una al lado de la otra, y coso y coso y le tejo más, sin parar. Y mientras tejo y coso preguntamos las estrellas y los vientos por dónde ir. Por dónde se vuelve al templo, al cuerpo, al principio. Tejo su pelo pasando la aguja una y otra vez por los mismos lugares, cerrando cicatrices abiertas, el manto de las infinitas puntadas, de los puntos incontables. Es el manto de la sombra, de la aceptación de la sombra. El manto de la escucha, del silencio, de la soledad. Es el manto de la paciencia, de la espera, de la fuerza. Es el espejo. “La Medusa es hermosa y ríe”, dice Hélène Cixous. ¿Te atreves a mirar?

Técnica: ganchillo, zurcido, cosido.

Precio: 1800 €

Ante la rigidez de la urdimbre, las mujeres tramamos nuestra supervivencia, A punto de cruz y Me partes el corazón, obras de Feli Benítez. Fotos: Noemí Martinez.
Ante la rigidez de la urdimbre, las mujeres tramamos nuestra supervivencia, A punto de cruz y Me partes el corazón, obras de Feli Benítez. Fotos: Noemí Martinez.

Feli Benítez

Creadora multidisciplinar. Sus incursiones en el mundo de los lenguajes artísticos van desde el monotipo a la pequeña escultura, pasando por el reciclaje artístico, la cianotipia y las técnicas mixtas.

Enlaces.

Blog: eltallerdefeli.blogspot.com

OBRA: Ante la rigidez de la urdimbre, las mujeres tramamos nuestra supervivencia/A punto de Cruz/Me partes el Corazón

Feli Benítez presenta tres obras en Hilaku: Cuerpos en sujeción, utopias y distopias textile, la primera de ellas es Ante la rigidez de la urdimbre, las mujeres tramamos nuestra supervivencia en la que  habla de las mujeres que se gustan. Una mujer que se gusta pasa a convertirse en sujeto de la acción y sortea los condicionantes, las limitaciones y las ataduras que una sociedad concebida por y para los hombres impone. Precio: 350 €

La segunda obra lleva por título A punto de cruz, en ella pretende llamar la atención sobre las violencias que atraviesan el cuerpo femenino (ablación del clítoris, la cirugía estética de la zona genital -labioplastia, reconstrucción del himen, clitoriplastia…), y que convierten los genitales femeninos en tabú y en pecaminosa cualquier actividad erótica que la mujer, como sujeto de la acción, lleve a cabo con ellos. Precio: 800 €

Por último tenemos Me partes el corazón, parte de una postal de finales del siglo XIX que llega a manos de la artista, perforada para convertirla en un cartón de mercería en el que colocar botones, la reflexión que suscitó en la mente de la creadora es que era un epítome de la cosificación, la instrumentalización del cuerpo femenino convertido en objeto para usos e intereses varios. Precio: 750 €

Enredado, de Laura Gracia Romano
Enredado, de Laura Gracia Romano

Laura Gracia Romano

Diplomada en diseño industrial. Cofundadora de La casa Pintada; en Linares (Jaén), ha participado en las cuatro exposiciones anuales que hacen hasta el año 2013. Dedicada profesionalmente a la pintura desde el año 2005. He expuesto en Linares, Jaén, Granada y Menorca. Actualmente reside en Zaragoza y dirige el taller de arte; La Fábrica de Arte; academia artística para niños y adultos y taller donde realiza su obra gráfica.

Enlaces:

Web: www.lafabricadearte.net

facebook: @lafabricalauragracia

Instagram: @gracialaura y @lafabricadearte

OBRA: Enredado

La obra refleja un estado de ánimo demasiado frecuente en nuestra sociedad de consumo. Esa horrible sensación de estar atado a cosas y por cosas, las ganas de escapar que todos hemos sentido alguna vez en nuestra vida… el inconformismo que tantas veces es inútil en nuestra sociedad de consumo, donde lo importante no es el ser sino el tener. La obra es un grito al espectador para que siga luchando, que no se rinda, que las barreras son hilos que pueden cortarse.

Precio: 600 €

Se Juntan Desnudos y Mis cuerpos, mis sueños, mis monstruos, de Mercy Rojas Arias. Foto: Noemí Martínez.
Se Juntan Desnudos y Mis cuerpos, mis sueños, mis monstruos, de Mercy Rojas Arias. Foto: Noemí Martínez.

Mercy Rojas Arias

Licenciada en filología hispánica y especializada en género y dirección de organizaciones de economía social, desde 2002 se ha dedicado a la experimentación en el arte de la fibra. En su aprendizaje de bordado e ilustración textil la han acompañado las maestras Offir Arias, Colombia; Francisca Robles, Chile, y Guillermina Baiguera, Argentina. Actualmente se dedica a la docencia de técnicas de narrativas textiles y de bordado, así como a la creación de arte textil comunitario. Ha expuesto en España y en Colombia. Es artista residente en el Centro de Arte Comunitario Harinera.ZGZ y pertenece al colectivo Mottainai.ZGZ.

Enlaces:

Web: mercyrojasarias.wordpress.com/

Blog: historiasentela.blogspot.com.es/

Instagram: www.instagram.com/historiasentela/

Twitter: @HistoriasenTela

Facebook: Historias en Tela

OBRAS: Se juntan desnudos/Mis cuerpos, mis sueños, mis monstruos (esta última, precio: 300 €)

Se Juntan Desnudos es una interpretación gráfica del poema homónimo de Jorge Gaitán Durán. Siguiendo la metodología de las Imageries de Warja Lavater, la artista construye un libro de autor en el cual las diferentes puntadas de bordado, su color y la disposición en el espacio crea una versión performática del cuerpo en el encuentro carnal.

Mis cuerpos, mis sueños, mis monstruos es una obra que traduce los múltiples cuerpos que somos. Más allá de la carne están las imaginerías sobre nuestro cuerpo, las formas del deseo y los desgarramientos a que nos lleva la normativa social. No somos un cuerpo, somos un fractal de cuerpos que nos encargamos dolorosamente de negar, por ello la obra se estructura a partir de la transparencia y la yuxtaposición.

Origen, de Paloma Ronsano
Origen, de Paloma Ronsano. Foto: Noemí Martínez.

Paloma Ronsano

Comienza dibujo y pintura en el estudio de Luisa Masete en Zaragoza. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Castilla La Mancha, en la facultad de Cuenca, donde le conceden diferentes becas, entre ellas tiene la oportunidad de realizar estudios en la Kunstiakademia de Estonia, en Tallinn, en el departamento de grabado, realizando también talleres en el departamento de diseño textil y en la Benemérita universidad autónoma de Puebla, México donde realiza estudios en antropología social. Se afinca en el estado de Morelos, en un pueblo en las montañas integrándose en la antigua tradición y cultura mexicana que es la que le inspira para su obra. Actualmente vive y trabaja en Zaragoza.

Enlaces:

Web: mellenodearte.blogspot.com/

Instagram: www.instagram.com/_palomaluna_/

OBRA: Origen

Origen es el resultado de un proyecto que comenzó en Estonia llamado “Lilja se pronuncia Lilia”,donde hago un homenaje a las mujeres que son víctimas de la trata de blancas, a través de Lilja las transformo, pues transformo a la niña Lilja , personaje de la película Lilja 4 ever de Lukas Moodysson que cuenta como es engañada para viajar a Suecia y ser prostituida, en una estudiante extranjera en la facultad de Cuenca, donde realiza una exposición final de fotografía, dibujo y bordados llamada “Mi nombre es Lilja y hago marionetas”, donde diferentes mujeres están bordando una marioneta. A través de Lilja realizo una instalación, una casa tipo iglú bordada, un libro de notas y un mapa todo bordado, que simboliza ese espacio que todos nos construimos para protegernos de las cosas que nos afectan del exterior. A través de ese espacio llegó a la necesidad de conectar con mujeres pertenecientes a tradiciones antiguas de diferentes lugares, pues posiblemente en ellas encontremos la pureza necesaria para transformar los problemas entre hombres y mujeres que actualmente nos ocupan. Mi obra es un homenaje a todas las mujeres del mundo, a una invitación a conectar con la mujer primera, y una invitación a bordar nuevos lenguajes de comunicación entre los seres humanos. Origen es un homenaje a la mujer que me dio la vida, mi madre.

Obras de la Red de tejedoras por la memoria y la vida de Colombia. Foto: Noemí Martínez.
Obras de la Red de tejedoras por la memoria y la vida de Colombia. Foto: Noemí Martínez.

Red de tejedoras por la memoria y la vida

Iniciativa que surgió en el año 2016, conformado por cerca de 30 colectivos en los que el tejido, la memoria y la salud mental se entretejen para elaborar narrativas, que puntada a puntada logran procesos creativos, estéticos y políticos para remendar y tejer los lazos sociales rotos por la guerra y reclamar la verdad y la justicia en Colombia.

Enlaces:

www.facebook.com/reddetejedoras/

La Red de Tejedoras por la memoria y la vida presenta 3 obras elaboradas por manos de mujeres cuya vida ha estado marcada por el sufrimiento de la guerra, pero también por la resistencia cotidiana. Estas piezas muestran ese cuerpo femenino que sufre la devastación de la guerra, pero al tiempo es vida en potencia,  que se gesta desde sus cuerpos y de ese “pacha mama” que es alimento, agua y semilla. Territorios campesinos aniquilados que re- existen y permanecen, formas de vida silenciadas por los circuitos económicos hegemónicos, voces que se levantan mediante la aguja y el hilo para persistir y reclamar su lugar, recordándonos ese espacio maravilloso que nos nutre, nos cobija y nos acoge.

Ficha de las Obras:

*Título: Sin título

Autoras: María, Yolanda, Anatilde, Ruperta, Mery, Lola, Miriam, Graciela, Lucía, María Eugenia. Red de tejedoras por la memoria y la vida. Nariño, Antioquia, Colombia

Técnica: Bordado sobre tela

Año: 2018

Precio: Su valor es la posibilidad del encuentro

*Título: Mujer-semilla- territorio

Autora: Liliana, Azucena, Edelmira, Diana, Marleny, Amparo, Mariela, Aleida, Teresa. Red de tejedoras por la memoria y la vida, Argelia, Antioquía

Técnica: Bordado y apliques sobre tela

Año: 2018

Precio: Su valor es la posibilidad de la resistencia

*Título: Yo no parí hijos para la guerra, en memoria.

Autora: Orlinda Mesa, Red de tejedoras por la memoria y la vida, Medellín, Antioquía

Técnica: Bordado sobre tela

Año: 2018

Precio: Su valor es la posibilidad de la memoria

Nunca me había mirado tanto, de Rut Martínez. Foto: Noemí Martínez.
Nunca me había mirado tanto, de Rut Martínez. Foto: Noemí Martínez.

Rut Martínez Rubio

Comenzó impartiendo clases de dibujo y pintura en colegios y estudios de arte. Su primera experiencia comercial fue “Malas Artes”. Y de ahí surgió su involucración en el colectivo “Modalena”, asociación autogestionada mediante creadoras relacionadas con la moda y la dinamización cultural. Artesana profesional, especializada en estampación textil y grabado experimental. Actualmente imparte formación en el Centro de Artesanía de Aragón y en el espacio creativo Harinera junto a las compañeras de Mottainai.Zgz. Técnica Superior de Artes Plásticas y Diseño en Ilustración. Ciclo Superior de Grabado y Técnicas de Estampación. Escuela de Arte de Zaragoza. Formada en Gestión Cultural por la Universidad de Zaragoza.

Enlaces:

@rutmalasartes

xmalasartes@gmail.com

OBRA: Nunca me había mirado tanto

Nunca me había mirado tanto, retrato fotográfico transferido sobre tela y bordado a puntada cadeneta. Un pez fuera del agua con la sensación de autoría y responsabilidad de las propias acciones. Un collage de autoanálisis personal, extraído de mi bestiario personal y la libertad de ir contra la corriente.

Precio: 666 €

Ombligos y escaleras, de Rosa Serrano. Foto: Noemí Martínez.
Ombligos y escaleras, de Rosa Serrano. Foto: Noemí Martínez.

Rosa Serrano

Artista educadora e historiadora del arte especializada en arte “outsider”.  Desde una perspectiva autodidacta ha realizado talleres y cursos especializados en los campos de las artes gráficas y plásticas. Siente predilección por el collage y la poesía visual, sus esculturas textiles nos hablan de sus referencias estéticas como Judith Scott, Eva Hesse o el arte brut y povera.  A partir de 2004 combina la creación, las exhibiciones y la educación artística. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas: “Collages”(2004), “Rizomas”(2007 y 2008), “Filos”(2010), “1790. La fuite du roi”(2015) y “Nuda Veritas”  para Hilaku, 2017.  Trabaja por la educación artística con personas con necesidades especiales y con diversidad funcional, comisariando y catalogando las obras de arte outsider e infantil desde la asociación especializada Bolboreta Press.

OBRA: Ombligos y escaleras

Ombligos y escaleras nos presenta un juego visual sobre el alumbramiento. La luz que trae un nuevo nacimiento trae también un viaje que nos conecta con los cuerpos de nuestra línea matriarcal. Los cuerpos de la hija, el de la madre, y el de la mujer-abuela, como una matrioska infinita, quedan conectados e iluminados en el crítico proceso del parto. Quedamos atrapadas bajo esa performace con tintes rituales. El cordón umbilical se nombra como una escalera, una cuerda que pende. Materia sensible a ese viaje iniciático de un cuerpo interminable en estado de gracia. La naturaleza, la sangre, el dolor, hablan aquí lenguajes escuetos y algo rudos a través del yute, de las puntadas con hilos de algodón y de trapos rabiosamente enroscados.

El árbol de la vida, de Sabina Blasco. Foto: Noemí Martínez.

Sabina Blasco Zumeta

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Su recorrido expositivo incluye Exposición colectiva Bendita tú eres, Centro Cultural Inusual Project, Barcelona, 2008.

Exposición individual en el Centro Joven de Pina de Ebro, Zaragoza, 2008.

Exposición colectiva Aventura de papel, Facultad de Magisterio, Valencia, 2013.

Exposición individual Haikus de Primavera. Poesía visual rural, Biblioteca Ricardo

Magdalena, Zaragoza, 2013. Exposición individual El jardín espiritual, Espacio Tránsito del Centro de Historias de Zaragoza, 2014-2015.

Enlaces:

Blog: sabinablasco.blogspot.com

instagram.com/sabinablasco

instagram.com/illustrated_vocabulary

OBRA: El árbol de la vida

El Árbol de la Vida representa el conjunto existencial en el plano terrestre, desde una visión

de ser humano pero abarcando todos los seres vivos en red. Está inspirado en la Naturaleza

y en la idea de la Creación: el origen y la reproducción de la materia viva.

El Árbol de la Mujer representa la energía femenina que tenemos todos, pero que va intrínseca al cuerpo de la mujer, cada ciclo lunar, y después en la gestación, el parto, la lactancia y la crianza. En general se ignora esta condición, porque la sociedad valora lo masculino en detrimento de lo femenino, pero nos hacemos un gran favor si le prestamos atención, nos conocemos y nos vivimos tal como somos.

Precio: 440 € unidad

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